1. CÓDIGOS DE SIGNIFICACIÓN ESCÉNICAS
Reglas socialmente aceptadas por
las que cualquier elemento de la escena cobra un valor, sentido y
significado para el espectador. Varían de una a otra cultura.
Todos los elementos de
representación reportan información: descifrados con un código
compartido.
a. Código verbal:
las palabras que se dicen en escena.
b. Código no
verbal: todo lo que no
se dice, pero que comunica:
-Paralingüístico: modo de decir
los textos: volumen, timbre, tono, prosodia, articulación,
entonación, ritmo, silencios, modulaciones…
-Cinestésico: movimiento físico.
-Proxémico: distancias,
posiciones, ubicación de los actores.
-Adicional: ambientación
lumínica y sonora, atrezzo, escenografía, vestuario, maquillaje,
peinado, lo olfativo y gustativo…
-Musical.
c.
Convenciones
teatrales: códigos imprescindibles para que funcione un espectáculo:
representación es ficción teatral; la cuarta pared (simulación del
espacio cerrado); los apartes. Los signos teatrales (señales,
símbolos, indicios) se manifiestan con total riqueza, variedad y
densidad.
2.
ORÍGENES DEL ARTE ESCÉNICO
Remotamente, surgió para
comunicar: sonora, gestual… De ahí se complica, más atractivo e
interesante: alguien que actúa para otros, que danza
espontáneamente. Surgen una serie de elementos comunicativos
coincidentes: gestos, saltos, mímica…
Se convierte en un rito de la
convivencia social: celebrar, divertirse. Adquiere un valor simbólico
de esa repetición: realidad sustituida.
Es un fenómeno común a toda
cultura, y al tiempo peculiar de cada una.
COINCIDENCIAS:
orígenes religiosos vinculados a cultos naturales, espacio sagrado,
oficiantes especializados, disfraces y objetos sagrados, comunidad
participativa, contenido conceptual, contenido escénico.
3.
ELEMENTOS DRAMÁTICOS
-La historia o fábula se
fundamenta en la acción,
a través de personajes
que entran en conflicto
en una situación.
1.
EL PERSONAJE
La historia se muestra
directamente a través de los personajes, sus acciones y palabras.
Son los seres que intervienen,
creaciones mentales elaboradas por el lenguaje y la imaginación.
Cada uno se configura por su
manera de ser, pensar, atributos…
a. El personaje en la estructura
dramática. Es acción viviente. Es el sujeto de la acción y objeto
de esa acción. Es un componente integrado en un sistema. Inmersos en
la situación, pueden cambiar. Padecen el conflicto y lo transforman.
Sufren y gozan. Interaccionan.
b. El universo del personaje. Dos
capas: exterior e interior. Esferas de acción: profesional,
personal, privada.
c. Crisis del personaje. Por el
conflicto, protagonista (promueve, pide, desea) y antagonista (se
niega o resiste). La crisis viene porque el protagonista quiere algo
(objetivo, meta); el antagonista se opone al objetivo; el personaje
tiene una estrategia para resolver el problema, unos recursos y unas
actitudes.
d. La evolución del personaje. La
acción lo modifica. 4 fases: estado inalterado (equilibrio aparente
inicial)-estado de conflicto-lucha (complicaciones)-ajuste (nuevo
estado inalterado).
2.
LA SITUACIÓN
Circunstancias que se plantean en
la historia: definidas por el autor. Definidas por tiempo y espacio.
Son dinámicas.
Época, lugar y entorno definen la
situación.
Toda situación dramática es
concreta.
Lugar (entorno medio dramático)
es espacio ficticio donde viven los personajes: lugar y condiciones.
Las condiciones modifican los
acontecimientos dramáticos: escenografía y ambientación.
3.
LA ACCIÓN
Es el fundamento y motor de la
historia: todos los sucesos.
Rasgos: voluntariedad
(decisiones), consciencia, tendencia a un fin determinado, carácter
transformador.
Línea de acción o argumental es
la manera de distribuirse los acontecimientos: es la trama. Rasgos:
progresión (hacia futuro), dinamismo (transiciones, inflexión),
unidad (relación temática).
Desarrollo de la acción: en orden
o desordenado: presentación (introducción, planteamiento)-nudo
(conflicto, clímax al final)-desenlace (resolución de conflicto).
Se dan a lo largo del desarrollo las informaciones (datos para el
espectador, o falta de ellas) e indicios (informaciones latentes,
indirectas).
La acción, como hecho escénico,
se convierte en perceptible y concreta con la puesta en escena.
Cualquier acción tiene una motivación (por qué); una finalidad
perseguida (para qué); un contenido o carga significativa (qué);
una forma física o resultado final (cómo).
La interacción es la cadena de
acciones y reacciones recíprocas. Cada acción viene determinada por
un impulso interno o un estímulo externo. La reacción es la
respuesta.
4.
EL CONFLICTO
Choque o colisión entre dos o más
fuerzas contrarias. Lo dramático se produce cuando uno que sigue un
objetivo se le opone otro, provocando una lucha de contrarios. Se
traduce en un combate filosófico que hace avanzar el argumento. El
resultado puede ser cómico o trágico. La situación es, pues,
inestable.
a. Clasificaciones del conflicto.
Principal/secundario, explícito/implícito, externo (con el entorno:
individuo y sociedad, moral, metafísico, con un objeto físico; o
con el otro: rivalidad u oposición de concepciones del
mundo)/interno (consigo mismo, de conciencia, dilemas, dos
alternativas opuestas o debate moral)
b. El conflicto en la estructura
dramática: de las acciones y reacciones, se deduce que el conflicto
es la característica esencial. Normalmente se expone en el curso de
la acción o se ha producido antes. Marca el proceso de
transformación.
c. En la interpretación, a través
de las acciones de los personajes se revela al espectador cómo
evoluciona el conflicto.
5.
OTROS ELEMENTOS PRESENTES EN LAS OBRAS DRAMÁTICAS
a. La emoción. El personaje se
conmueve y emociona, materializado a través de su cuerpo y voz.
Todas las emociones son inestables, voluntarias y producto de los
acontecimientos.
b. Relaciones sociales y
emocionales. Son los vínculos en la estructura social o de grupo, y
la carga emotiva de toda relación, respectivamente. Las relaciones
emocionales pueden ser más o menos visibles.
c.
La urgencia. Implica la necesidad de los personajes por conseguir
pronto su deseo. Acelera el conflicto, concentra la potencia
dramática y provoca la vertiginosa corriente. La urgencia podrá ser
responsable de que el protagonista actúe con la máxima economía
posible.
4. LOS INSTRUMENTOS DEL INTÉRPRETE
1.
LA EXPRESIÓN CORPORAL
Aclara la comunicación. Es un
lenguaje universal y cultural al tiempo.
Conjunto de manifestaciones
físicas, intencionadas o no, que comunican el estado de ánimo, la
personalidad o la actitud.
Todos comunicamos a través del
cuerpo. Genera un lenguaje propio, plástico, el encuentro del
individuo consigo mismo, desarrolla la coordinación
espacio-temporal.
Pies, manos, ojos, rostro, cabeza,
piernas, brazos, postura en el espacio, tiempo, movimientos complejos
(manipular, caminar…).
2.
LA EXPRESIÓN GESTUAL
Movimientos del rostro y de las
manos para transmitir el mensaje: parte de la exp. corporal.
Gesto es forma concreta de
comunicación no verbal, ejecutada con alguna parte del cuerpo.
Signo dinámico:
movimiento+significado. Expresamos nuestros estados, sensaciones,
pensamientos y opiniones.
Pueden ser innatos o adquiridos:
dependen de lugar y contexto.
En escena se le exige eficacia y
economía.
Existen, por ejemplo, gestos
emblema (intencionales y significado conocido: pulgar hacia arriba),
ilustradores (matizan, recalcan), reguladores (sincronizan la
comunicación), emocionales (estado emotivo consciente), adaptadores
(marcan emociones que no deseamos expresar).
3.
LA EXPRESIÓN ORAL
Forma de comunicación en la que
se utiliza la voz para hacer llegar el mensaje, siendo el aire el
medio por el que se transmite, y el código un idioma.
Más amplia que el habla:
elementos verbales y no verbales paralingüísticos( tono, ritmo,
volumen, entonación).
Es una herramienta decisiva para
transmitir el mensaje: la imagen auditiva, que es la impresión
psicológica de los sonidos, en el espectador.
Mantiene la atención y enfatiza.
Da a conocer las características
y situación de los personajes, sus ideas y opiniones. Define la
personalidad, la edad, el estatus…
La voz exige entrenamiento,
conocer sus posibilidades. Debe poder manipular y transformar las
cualidades de la expresión oral: dicción, fluidez, volumen, ritmo,
entonación, emotividad, claridad, coherencia, vocabulario...
Diversas formas de expresión
oral: conversación, diálogo, monólogo. Espontáneo o preparado:
debe parecerlo, así que la lengua debe ser viva y desenvuelta,
acorde al personaje y situación.
4.
LA EXPRESIÓN RÍTMICO-MUSICAL
Natural e instintiva. Es el
conjunto de manifestaciones que contienen e involucran estructuras
rítmicas o melódicas, cuyo fin es transmitir ideas y sentimientos.
El sonido y el ruido, los
silencios, el ritmo, la melodía, la armonía...
Se observa en la música,
entonación y ritmo, respiración, sonidos, movimientos…Debe
ejercitar el intérprete su cuerpo y voz, en manipular los objetos,
etc.
5.
EL CUERPO
Informa acerca de la realidad
física, emociones y estados de ánimo. Muchas posibilidades de
transformación.
El movimiento es el cambio de
posición de un cuerpo en el espacio. Presente en los mecanismos
físicos y emocionales. Los movimientos se componen de inclinaciones,
desplazamientos y giros.
Hay movimientos voluntarios
(controlados por el cerebro) e involuntarios (por la médula);
súbitos o sostenidos; directos e indirectos; fuertes o débiles...
El foco de movimiento es la parte
que funciona como motor del movimiento corporal. Hay que saber cuál
es el foco que predomina en cada personaje.
En escena, la postura del cuerpo y
su orientación espacial informan: acercamiento, retirada, expansión,
contracción.
Niveles de movimiento que deben
trabajarse: bajo (relajación, pereza…), medio (balanceo…), alto
(elegancia, equilibrio…).
Cámaras de movimiento son las
velocidades que sirven como recurso expresivo para recrear
transformaciones en el tiempo: cámara lenta (exagerado, preciso,
ralentizado), media/normal (no se distorsiona la percepción) y
rápida (directos, rápidos).
Kinesfera es el espacio delimitado
por los miembros en su máxima extensión: radio de acción.
El intérprete debe controlar el
cuerpo para desenvolverse en el escenario. Debe desarrollar la
resistencia, fuerza, elasticidad y equilibrio. Debe buscar siempre la
belleza, plasticidad y economía.
Coreografía o partitura escénica
el el conjunto de movimientos que se suceden en escena, con un
sentido y significado determinados, en un orden preciso.
6.
LA VOZ
Es nuestra seña de identidad,
educable, modificable.
Aparato fonador y resonador:
regido por el cerebro: cuerpo que vibre (cuerdas vocales)+medio
elástico (aire)+caja de resonancia (cavidades).
El movimiento debe impulsar y dar
vida a la palabra. Ha de ocuparse de todos estos elementos que hemos
visto.
El intérprete debe comprender el
texto, debe dar importancia a todos los sonidos, cada texto tiene su
musicalidad.
7.HABILIDADES
DEL INTÉRPRETE
Otros
instrumentos le ayudan a desarrollar su potencial creativo y
expresivo: desinhibición (confianza), observación (comprender,
imitar la realidad), escucha (atención), imaginación (crear lo no
real), concentración (control físico, psicológico, de previsión),
relajación, memoria (interpretar es repetir), control del espacio
(evitar lo descompensado) y control del tiempo (ritmo).
5. EL ANÁLISIS DEL
PERSONAJE
Proceso de exploración y estudio
para conocer sus características y su funcionamiento dramático. Es
la parte visible del relato. Hay que analizar exhaustivamente al
personaje: así se construyen personajes consistentes y dinámicos.
a. Fuentes de información sobre
los personajes: en el texto escrito (acotaciones, parlamentos);
además, hay lagunas que el actor debe llenar, para dotarle de una
biografía particular.
b. Esquema de análisis: qué tipo
de personaje es; qué rasgos y características posee; cómo está
implicado en la situación, acción y conflicto; qué lugar ocupa en
la escena y la obra; cómo y con quién se relaciona; cómo
evoluciona.
c. El tipo de personaje: según
las características del apdo. 2.
d. Rasgos y características del
personaje: físicas (aspecto, atributos, forma de hablar y moverse),
sociológicas, psicológicas (carácter, manera de pensar y sentir,
actitud, gustos, cómo está en cada momento…).
e. Implicación del personaje en
la situación, acción y conflicto: época, lugar, circunstancias;
objetivo, obstáculo; estrategias, reacciones.
f. Relaciones del personaje:
vínculos sociales: de qué se conocen, cuándo, cómo están de
unidos, estatus…
g. Lugar del personaje en la
escena y la obra: puede plantearse un mapa general y otro particular.
h. La evolución del personaje:
transformación que va experimentando. Hay que localizar lo que le
hace cambiar y los puntos de inflexión.
i.
El análisis del actor: un análisis dramático, para descubrir las
características representables del personaje, el modo de enfrentarse
al conflicto y de relacionarse: la acción. Debe realizarse un
estudio intelectual objetivo, un acto reflexivo. Las informaciones
textuales deben jerarquizarse: desentrañar la relevancia de los
datos.
6.
LA CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE
Concepto y características: es el
proceso de creación material por el que el personaje pasa de
imaginario a realidad concreta y viva: pasa a personaje escénico. El
actor debe construir la imagen del personaje, para emocionar al
espectador. Debe reflejar, esa imagen, los rasgos individuales y la
vida: para ello se acude a la caracterización, externa e interna.
Toda caracterización implica una transformación, para amoldarse a
esa forma ideal que es el personaje. El objetivo es revelar quién es
y qué le pasa al personaje: ha de reflejar las transformaciones, la
individualidad, etc. La técnica permite al intérprete conserva esos
cambios físicos, psicológicos, etc, al creer en lo que está
haciendo, al transformarse con convicción.
Procedimientos de creación del
personaje: para encontrar y utilizar correctamente los recursos
expresivos que le den vida. Buscar, analizar, observar,
transformarse, con los ejercicios, juegos escénicos,
improvisaciones...Dependiendo de la obra, del director, etc, se
construirá el personaje.
7. ELEMENTOS O EJES
DE CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE
a. Pensamiento
y emoción: la
psicología del personaje. Debe atraparse su esencia, comprender el
fondo y el contenido. El intérprete modifica su “yo”, con
elementos racionales (pensamientos, ideas, opiniones…) y
emocionales (sentimientos, estados de ánimo…). Un trabajo de
creación interna: cómo se ve a sí mismo y los demás. Cuáles son
los rasgos psíquicos, principales y secundarios, impregnarse de las
características psíquicas genéricas, etc. Cómo piensa, cómo
siente, cómo se relaciona (con elementos de la escena y personajes),
cómo es su imaginario íntimo (imaginación, recuerdos,
expectativas), cómo afronta la realidad en la que vive. El
intérprete se interroga, desde el personaje, acerca de: quién soy,
cuáles son mis circunstancias, mi relación con el entorno, qué
quiero, qué me lo impide, qué hago para conseguir mi objetivo.
b. Gestualidad
y movimiento: el cuerpo
del personaje. Hay que construirle un cuerpo: caracterización
corporal para mostrar la naturaleza interna, coherente con su
psicología. Debería preguntarse, el intérprete: particularidades
o limitaciones corporales, movimientos involuntarios, la mirada, el
caminar, la postura corporal, los gestos, el tipo y calidad de
movimiento, el foco de ese movimiento, la velocidad de movimiento, la
orientación espacial, la kinesfera, etc, además de cómo le afectan
las circunstancias.
c. Lenguaje
y modulación: la voz
del personaje. Hay que crearle “una voz”, que transmita a los
espectadores los aspectos internos del personaje. Cuestiones: tiene
su aparato fonador limitaciones o particularidades, cómo respira,
cuál es el tono o altura de su voz, cómo es su timbre, a qué
volumen habla, velocidad, pronunciación, grado de fluidez,
entonaciones y pausas, acentuación...
d. Vestuario
y maquillaje: la
apariencia exterior del personaje. Caracterización externa, como una
envoltura, significativa de la edad, posición social, personalidad,
mundo interno...El intérprete se ve transformado y actúa desde el
personaje. Qué ropa lleva, cómo va maquillado y peinado, qué
complementos usa…
8. EJECUCIÓN DE LA
PARTITURA INTERPRETATIVA
Construido el personaje, debe
integrarse la caracterización con la puesta en escena: acciones,
coreografía, tempo-ritmo, música...Siempre debe tenerse en cuenta
la doble perspectiva: el papel (el personaje debe ser consciente del
pasado y sus expectativas) y el actor (mantener el control en
escena).
Construida la imagen del personaje
(lógica, emotiva, artística), hay que darle un acabado brillante:
librarse de los gestos superfluos, usar el control y la contención,
mantener una línea de acción continua, utilizar el tempo-ritmo
adecuado.
Debemos
transportar la imagen del personaje hasta el espectador.
9.
EL ANÁLISIS DE LA OBRA DRAMÁTICA
Es la exploración y estudio de
cualquier obra dramática: comprender lo que se va a contar al
espectador.
Dos tipos de análisis: reflexivos
(intelectual) y dinámicos/activos (estudio práctico en la
construcción del montaje).
Análisis de texto y obra. Siempre
por escrito, original o no. El texto es la guía para la puesta en
escena. Algunos sólo aportan una idea, otros todos los detalles.
Estructura
externa: la forma del
texto. Normalmente se divide el texto en actos (momentos de la
trama), cuadros (cambios de lugar) y escenas (entrada, salida de
personajes…). Cualquier texto dramático consta de estos elementos
formales: parlamentos (intervenciones habladas: diálogo, monologo,
aparte), acotaciones (descripciones, acciones) y signos ortográficos
(marcas expresivas).
Estructura interna: el contenido
del texto. Todos tienen un contenido explícito y otro implícito.
Qué dice, explícita e implícitamente. Por qué y para qué lo
dice: el subtexto (mundo interior) y la intención (direccionalidad
de la frase). Lo que hace, por qué y para qué lo hace.
Tipo
de obra: estilos y géneros.
Depende del lenguaje, la duración, propósito...El prisma del autor
es básico, así como su propósito.
-Drama: visión realista de
personas normales en situaciones dramáticas, sin distorsión;
variantes: misterio (suspense, intriga) y melodrama (emociones
exacerbadas).
-Comedia: visión realista de
personas normales en situaciones cómicas. Propósito: hacer reír,
tono alegre y ligero, dinámica, ritmo rápido. Variantes: farsa
(exagerados los personajes y las situaciones, bromas obscenas,
escatológico), comedia negra (desesperación cómica, siniestro e
irónico), teatro menor (paso, entremés, sainete, popular y
sencillo).
-Tragedia: visión estilizada en
situaciones dolorosas. El destino, tono hondo y grave. Tragedia
clásica: personas exaltadas, situaciones trágicas, a la catástrofe
y la desolación; contrastes, solemnidad, sentido coreográfico, lo
significativo. Tragedia moderna: personas normales, situaciones
trágicas; decorados y luz acentúan.
-Fantasía: visión colorista y
no realista. Personajes con poderes mágicos o capacidades
asombrosas. Ciencia ficción y aventuras.
-Teatro del absurdo: visión nada
realista, personas exageradas en situaciones abstractas. Distorsión
absoluta. Hacernos pensar: temas existenciales. Cesa la lógica.
Lugares y sucesos inimaginables. Trama dislocada. Un subtipo es el
esperpento (deformación grotesca y sistemática, crítica social,
ironía, degradación).
La fábula o historia. Debemos
conocer el tema, argumento y datos (informaciones, antecedentes).
Así, el
análisis de un texto dramático se basa en:
definir tema y argumento; concretar época y lugar de la acción;
extraer los antecedentes y ordenarlos lógicamente; analizar los
elementos dramáticos (personajes, situación, acción, conflicto);
definir el estilo de la obra; dividir el parlamento por ideas y
estudiar el sentido lógico del texto y el subtexto e intenciones.
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10. LA CONSTRUCCIÓN
DE LA OBRA
Es el proceso de creación
material de la obra para ser representada. La construcción incluye
preparación física y vocal, búsqueda, puesta en escena,
ensayos...Abarca la creación material del personaje. Se trata de ir
del texto a la acción.
Caracterización.
Para reflejar los rasgos o atributos del personaje. Hay que
seleccionar, elegir los más eficaces. Caracterización física y
vocal (mostrar el alma y carácter) y estético-visual.
Ambientación.
Refleja los rasgos y atributos de la situación, recrea el entorno.
La escenografía, decorado, atrezo, vestuario, efectos… Puede ser
cambiante.
Puesta
en escena.
Montaje y realización escénica de un texto o historia teatral. Se
concreta lo anterior e intervienen todos los integrantes. Los
intérpretes realizan el análisis activo y el director determina la
partitura de movimientos. Aquí se manifiesta el estilo concreto de
la obra.
