1.
Fases de creación de un espectáculo teatral.
(2 VECES)
Puesta en escena es el proceso de
montaje y realización material de una obra escénica, para ordenar y
convertir en una realidad física. Va de la preparación a la
exhibición.
Hay distintos tipos:
a. Según el origen de la
iniciativa. Puede ser pública (municipales, autonómicas,
nacionales), privada (compañías alternativas, al uso o empresas de
producción) y mixta.
b. Según el formato del montaje:
según el número de intérpretes, la extensión de la obra, los
recursos, los espacios escénicos: de pequeño, mediano o gran
formato.
c. Según la finalidad del
montaje: comerciales o no.
Se
va del espacio escénico vacío al significante, para que los
elementos cobren un valor y significado concretos.
FASES
DE CREACIÓN:
a. Diseño
de un espectáculo: el proyecto: ideación y preproducción:
imaginación del autor, desarrollo de textos y partituras, bosquejo
de la escenografía, vestuario...Se debe presupuestar, conseguir los
medios de financiación, elegir a los intérpretes, planificar el
montaje.
b. La puesta
en pie del espectáculo:
el montaje (construcción): producción y elaboración de los
distintos aspectos, que se integrarán en el ensayo. Los ensayos
pueden ser breves o largos; se practica repetidamente. Hay distintos
tipos, que se organizan así: ensayos de mesa (sesiones teóricas) y
sobre el escenario (análisis dinámico: preparación física, vocal
y psicológica; hay que llevar aprendido el papel o improvisar;
pueden ser de dos tipos: mecánicos -sólo la aprte externa del
papel- o dramáticos-plenos-; y también parciales y completos).
c. La exhibición
y distribución del
espectáculo: la representación: actuación ante el público, donde
cristaliza el trabajo de todos. Debe prepararse todo, calentar los
intérpretes...Se levanta el telón y todos preparados para los
imprevistos. Acaba con los aplausos, claro, y las giras posteriores.
d.
La finalización
y cierre
del proceso: el fin de la obra: posproducción: desmontaje, limpieza
y almacenamiento, liquidación de contratos, comprobación de las
cuentas y evaluación de todo el proceso.
2.
El oficio de actor.
(2 VECES)
Interpretación es proceso
artístico por el que se capta y comprende el sentido de una obra,
para expresarlo con herramientas y recursos comunicativos.
El objetivo es transmitir a los
espectadores el significado y sentido, conmoviendo su ánimo o
pensamiento.
Los
intérpretes son artistas
que ejecutan una obra escénica ante un público, los que actúan:
actores, músicos, malabaristas...Son muy diferentes las técnicas
que utilizan: conjunto de procedimientos, recursos y conocimientos
específicos del arte dramático. La técnica debe ser invisible.
Protege al actor, le proporciona control y dominio sobre lo que hace,
libertad y placer, flexibilidad. Podemos señalar que existen dos
tipos de técnicas: cotidianas (reproducen el comportamiento
habitual, voz y cuerpo) y extracotidianas (uso especial, modificando
ritmo, tono y cantidad de energía).
a. El
oficio de actor.
Dedicación profesional. Históricamente, era hereditario; desde el
XIX, escuelas especializadas. Hoy es una vocación profesionalizada,
digno. Unos teóricos creen que el actor es una herramienta, otros un
ejecutante, otros un creador, un transformador social...Siempre es un
vehículo de transmisión dramática. Tiene unos rasgos especiales:
es instrumento e instrumentista, trabaja en un espacio y tiempo
dramáticos, sabe lo que le pasa al personaje. El actor trabaja sobre
tres planos: lo externo (hace propios los elementos), lo intermedio
(interacción de lo físico y psicológico) y lo interno
(psicológico, libertad creativa).
b. Relación
actor/personaje. Se pone
a su servicio: presta su voz y cuerpo, su observación, imaginación
y la experiencia viva. Actor es real, comprende el conflicto, sabe,
ensaya, busca los porqués, analiza...El personaje es imaginario,
vive el conflicto, no sabe lo que ocurrirá, todo le pasa por primera
vez, está en el presente...El actor siempre acepta al personaje.
c. Cualidades
del actor: cuestión de
aptitud y actitud. Hay un talento, una aptitud o capacidad para
comprender y expresar emociones, ideas y sentimientos; pero hay que
trabajar las herramientas (cuerpo, voz, mente) y desarrollar las
destrezas (desinhibición, escucha, observación, concentración,
relajación, memoria, dominio de espacio y tiempo). Por otro lado, la
actitud debe basarse en: voluntad, esfuerzo, valentía,
responsabilidad y compromiso, respeto y generosidad y paciencia.
3.
Los recursos plásticos del espectáculo escénico.
(3 VECES)
La
escena es un espacio significante: dimensión sígnica y simbólica.
Espacio lleno de contenido y significado: cada elemento se transforma
en aquello que representa. Ese es el lenguaje teatral: señas,
símbolos, signos, todo en función del código de significación
escénica aceptado. Siempre ha estado cargado de convencionalidad:
lugar ficticio donde todos los elementos se funden en la acción.
Entre
esos recursos, vamos a centrarnos en los plásticos: son
los elementos y medios técnicos que emplean el lenguaje visual,
utilizados para realzar la estética y el significado de una obra.
a. La
escenografía. Adecua el
espacio físico, para crear el lugar de la acción y ambientarlo.
Para ello, se utilizan distintos elementos escenográficos:
mobiliario, atrezo y utilería (complementos del anterior), decorados
(pintados o construidos), cortinajes, ciclorama (tela sobre la que se
proyecta), trastos o apliques (motivos: rocas…)...Los decorados
pueden ser fijos (general), simultáneo y fijo (varios, se desplaza
la acción), cambiantes (cambios del telar, plataformas giratorias…).
El escenógrafo organiza,
selecciona formas, colores y materiales, ubica los elementos,
teniendo en cuenta la visibilidad escénica y la acústica del
espacio.
En el XIX, se exigía realismo y
detalle. Hacia finales, se innova, con la electricidad. A principios
del XX, la luz es un elemento más de la escenografía, y se le
otorga una denotación psicológica y emocional.
Las vanguardias de principios de
siglo plantean estéticas como el constructivismo (Meyerhold:
complicadas estructuras), expresionismo (contrastes, distorsión,
subjetividad), surrealismo (simplificación, colores vivos, lo
onírico y lo subconsciente). En entreguerras, se impone el teatro
político (transformar, concreción del mensaje). Actualmente, el
panorama es muy variado: espectacularidad, el espacio vacío de
Brook, el conceptualismo de Lepage o Wilson.
b. El
vestuario. Sitúa la
obra en una época y lugar concretos y caracteriza a los personajes.
El figurinista lo diseña, teniendo en cuenta: el valor dramático,
que sea práctico, que se contemplará a distancia y que la
escenografía y la iluminación influirán en él. Los colores han de
ser más vivos que los del decorado, evitando repeticiones. La
evolución histórica va de las túnicas griegas y romanas, pasando
por el vestuario de época de Renacimiento y Barroco, el realismo del
XIX y el intento actual por definir al personaje.
c. Maquillaje
y peluquería. El
maquillaje es una máscara que marca los rasgos y simula. Limpiar,
hidratar, aplicar el color de base, iluminar, crear los nuevos
rasgos, marcar el contorno de ojos, aplicar el rubor. El peinado
también permite reflejar la época y la posición social del
personaje. La máscara (media, completa, veneciana) es una
prolongación del maquillaje: expresa emociones, marca
personajes...La máscara completa puede ser neutra o expresiva.
d. La
iluminación. Va a
resaltar la estética del resto de elementos. Hoy en día, su manejo
es sencillo. Sus objetivos son iluminar la escena, modelar contornos,
dirigir la mirada del espectador y crear atmósferas y ambientes. El
iluminador debe jugar con las propiedades de la luz: cantidad,
dirección (frontal, contra, desde los laterales, cenital) y color.
Los técnicos de iluminación la controlan, con un equipo de cableado
y red eléctrica, con estructuras diversas, focos, proyectores, el
dimmer
(regula la intensidad) y la mesa de luces. Desde el Renacimiento se
usa luz artificial, con velas o lamparillas (candilejas), hasta que
surge la electricidad.
e.
Maquinaria
y tramoya.
La tramoya es el conjunto de máquinas e instrumentos que cambian el
decorado y los efectos especiales; permanece oculta al espectador;
forman parte de ella el foso y contrafoso (máquinas de elevación,
escotillones), el espacio a nivel del suelo (entradas y salidas a
través del foro y hombros del escenario) y el telar (encima del
espacio escénico, donde se hallan las galerías de eléctricos, de
tiro y de carga). Siempre se han utilizado máquinas, pero en el XX
los adelantos ha posibilitado la innovación constante.
4.
Los recursos plásticos: el vestuario.
(2 VECES)
La
escena es un espacio significante: dimensión sígnica y simbólica.
Espacio lleno de contenido y significado: cada elemento se transforma
en aquello que representa. Ese es el lenguaje teatral: señas,
símbolos, signos, todo en función del código de significación
escénica aceptado. Siempre ha estado cargado de convencionalidad:
lugar ficticio donde todos los elementos se funden en la acción.
Entre
esos recursos, vamos a centrarnos en los plásticos: son los
elementos y medios técnicos que emplean el lenguaje visual,
utilizados para realzar la estética y el significado de una obra. Y,
más en concreto, hablaremos del vestuario.
El
vestuario.
Sitúa la obra en una época y lugar concretos y caracteriza a los
personajes. El figurinista lo diseña, teniendo en cuenta: el valor
dramático, que sea práctico, que se contemplará a distancia y que
la escenografía y la iluminación influirán en él. Los colores han
de ser más vivos que los del decorado, evitando repeticiones. La
evolución histórica va de las túnicas griegas y romanas, pasando
por el vestuario de época de Renacimiento y Barroco, el realismo del
XIX y el intento actual por definir al personaje.
5.
Los recursos plásticos: la escenografía.
(2 VECES)
La
escena es un espacio significante: dimensión sígnica y simbólica.
Espacio lleno de contenido y significado: cada elemento se transforma
en aquello que representa. Ese es el lenguaje teatral: señas,
símbolos, signos, todo en función del código de significación
escénica aceptado. Siempre ha estado cargado de convencionalidad:
lugar ficticio donde todos los elementos se funden en la acción.
Entre
esos recursos, vamos a centrarnos en los plásticos: son los
elementos y medios técnicos que emplean el lenguaje visual,
utilizados para realzar la estética y el significado de una obra. Y,
más en concreto, hablaremos de la escenografía.
a.
La
escenografía.
Adecua el espacio físico, para crear el lugar de la acción y
ambientarlo. Para ello, se utilizan distintos elementos
escenográficos: mobiliario, atrezo y utilería (complementos del
anterior), decorados (pintados o construidos), cortinajes, ciclorama
(tela sobre la que se proyecta), trastos o apliques (motivos:
rocas…)...Los decorados pueden ser fijos (general), simultáneo y
fijo (varios, se desplaza la acción), cambiantes (cambios del telar,
plataformas giratorias…).
El escenógrafo organiza,
selecciona formas, colores y materiales, ubica los elementos,
teniendo en cuenta la visibilidad escénica y la acústica del
espacio.
En el XIX, se exigía realismo y
detalle. Hacia finales, se innova, con la electricidad. A principios
del XX, la luz es un elemento más de la escenografía, y se le
otorga una denotación psicológica y emocional.
Las
vanguardias de principios de siglo plantean estéticas como el
constructivismo (Meyerhold: complicadas estructuras), expresionismo
(contrastes, distorsión, subjetividad), surrealismo (simplificación,
colores vivos, lo onírico y lo subconsciente). En entreguerras, se
impone el teatro político (transformar, concreción del mensaje).
Actualmente, el panorama es muy variado: espectacularidad, el espacio
vacío de Brook, el conceptualismo de Lepage o Wilson.
6. Los recursos
literarios.
A veces, la obra literaria es el
sostén de todo. Los textos dramáticos son recurso para la escena,
palabra viva: acotaciones y parlamentos. Tradicionalmente, ha sido
muy importante. En el XX, el énfasis se ha desplazado a la faceta
teatral.
Todos
los recursos deben estar al mismo nivel. Otros materiales son:
biografías, episodios históricos, obras pictóricas, escultóricas,
fotografías…
7. Los recursos sonoros.
Conjunto de elementos y medios
técnicos que emplean el lenguaje sonoro o acústico para embellecer
la escena, situarla y completar el mensaje. Enorme potencial
expresivo.
a. La música: desde los orígenes
del teatro. Puede ser interpretada en vivo o reproducida. El técnico
de sonido la maneja.
b.
Los efectos sonoros. Dos clases de sonidos: ambientales y expresivos.
Antiguamente los producían personas; hoy, con instrumentos o
grabaciones.
8.
Especialistas
técnicos (equipo técnico) que intervienen en el espectáculo
escénico.
La puesta en escena supone la
presencia total del contenido dramático, con la participación de
todos los agentes principales (autor, intérpretes, público) y otros
profesionales. Es un proceso.
Es el proceso de montaje y
realización material de una obra escénica, para ordenar y convertir
en una realidad física. Va de la preparación a la exhibición.
Se
va del espacio escénico vacío al significante, para que los
elementos cobren un valor y significado concretos.
En ese proceso, intervienen
distintas áreas: artística (dramaturgia, dirección de escena,
coreografía, diseño de iluminación, escenografía, vestuario,
sonido, interpretación), técnica (manipula los elementos físicos
de la escena: talleres -operarios de realización- y asistencia a
escena-técnicos-) y administrativa (producción, prensa...). Y cada
área se compone de distintos miembros, que constituyen el equipo de
trabajo. Nos centraremos en el equipo técnico.
Equipo
técnico:
podemos clasificarlo según el espacio en el que desarrollan su
labor:
a.
En los talleres de realización se fabrican los elementos físicos de
la escena (decorados, vestuario…): aquí trabajan los
constructores, sastres y técnicos de grabación.
b.
En cuanto a la asistencia a escena, realizan su labor durante la
representación: maquilladores, peluqueros, asistentes de vestuario,
técnicos de iluminación, tramoyistas, regidor (organiza y coordina
la representación en vivo).
9.
El equipo artístico del espectáculo escénico.
La puesta en escena supone la
presencia total del contenido dramático, con la participación de
todos los agentes principales (autor, intérpretes, público) y otros
profesionales. Es un proceso.
Es el proceso de montaje y
realización material de una obra escénica, para ordenar y convertir
en una realidad física. Va de la preparación a la exhibición.
Se
va del espacio escénico vacío al significante, para que los
elementos cobren un valor y significado concretos.
En
ese proceso, intervienen distintas áreas: artística (dramaturgia,
dirección de escena, coreografía, diseño de iluminación,
escenografía, vestuario, sonido, interpretación), técnica
(manipula los elementos físicos de la escena: talleres -operarios de
realización- y asistencia a escena-técnicos-) y administrativa
(producción, prensa...). Y cada área se compone de distintos
miembros, que constituyen el equipo de trabajo. Nos centraremos en el
equipo artístico.
Equipo
artístico: dramaturgo
(realiza la escritura del texto; configura el contenido y delinea las
formas; planifica la estructura de la representación; aporta
información para la puesta en escena, pero está sujeto a la
interpretación), director
de escena
(organiza los aspectos técnicos y artísticos de la puesta en
escena; visualiza el resultado final; intermediario entre autor,
actor y público; elige la obra, la reinterpreta, elige reparto y
equipo técnico, dirige a los artistas, supervisa la creación de los
decorados, vestuario, iluminación y sonido; debe ser intérprete,
espejo y organizador), escenógrafo
(diseña y monta la escenografía, distribuye el espacio, selecciona
decorado, etc), iluminador
(diseña la iluminación de la obra, de acuerdo con el director),
figurinista
(diseña el vestuario), músico
(creador de la banda sonora y la ambientación acústica), coreógrafo
(crea y dirige los bailes) e intérpretes
(actúan, por lo que deben comprender y expresar sobre el escenario).
10.
Relaciona la imagen con los oficios teatrales correspondientes y
explica la relevancia de su función en un montaje. Fotografía de un
figurín teatral.
Se trata de una pregunta
tipo: al lado de una imagen de unos actores, o de un boceto de
escenografía o de un figurín, como es el caso, realizan una
pregunta que incide en el contenido que se desprende de esa imagen.
En este caso, por ejemplo, deberíais hablar del equipo artístico
(figurinista, actor/actriz) y técnico (maquillaje, peluquería,
sastrería).
No hay comentarios:
Publicar un comentario